Large original black-and-white photographic portrait by Marc Trivier.
Original gelatin silver print, unsigned, as is the case with most of Trivier's works.
A rare original silver print by the celebrated Belgian photographer, one of the most secretive contemporary artists, who, despite early international success, chose to restrict his output in order to preserve the coherence of his work. Marc Trivier does not produce new prints of his earlier portraits; moreover, the printing paper he once used is no longer manufactured. The artist « réalise lui-même ses tirages sur papier baryté Ilford, consacrant plusieurs jours de travail à chacun, avec une concentration particulière pour rendre les blancs, par contraste avec des noirs d'une rare densité. Un tirage de Marc Trivier ne ressemble à aucun autre. Lorsqu'il accepte de les exposer, il les suspend dans des cadres en inox de sa fabrication, laissant libre cours à la vie du papier. » (Xavier-Gilles, « Marc Trivier et la tragédie de la lumière » in Le Monde Libertaire, 2011). This « life of the paper » is part of the work itself, just as the various alterations photographs undergo when exposed: « Dans les boites, les tirages gondolent, mais qu'importe : le photographe affectionne ce genre d'accident. » (Claire Guillot, « Les face à face sans échappatoire du photographe Marc Trivier »,
Le Monde, 2011). Trivier shows a singular sensitivity to the material dimension of his art. Although photography is by nature a medium of multiples, his direct intervention throughout the creative process confers an almost autographic aura on these prints.
Photographs of artists, the insane, trees or slaughterhouses—Marc Trivier approaches each of these subjects with a gaze at once precise and intense.
« Dans sa cosmogonie, chaque chose, chaque être, végétal, animal ou humain, mérite le même respect. Car tous sont confrontés à la même loi d'airain : la solitude. » (Luc Desbenoit).
The beauty that emanates from his images arises from this nakedness. There is neither retouching nor cropping. His work consistently preserves the square format, emphasized by the square of the negative left visible on his prints. This frame ensnares the gaze in images where the cosmetic distractions of colour are rejected in favour of incisive black and white. With all artifice removed, we are not confronted with staged subjects but with presences heightened by a singular, radiant light, witness to a lived moment rather than a posed one. It is this light, intrinsic to the photographic medium, that unites Trivier’s series:
« Les photographies de Marc Trivier écrivent une tragédie de la lumière, celle-ci n'accueillant les êtres - hommes, arbres ou bêtes - qu'en les brûlant, avant disparition. » (Xavier-Gilles in Le Monde Libertaire).
It is also this light, stripped of all artifice, that endows his works with the aura that makes them so compelling. This « burning » of the light recalls the reality of an instant, the « ça a été » of Barthes (
La Chambre Claire, 1980):
« De trente-cinq ans de pratique photographique, d'obsessions, c'est peut-être ça qui reste : un mode d'enregistrement singulier de la brûlure de la lumière, décliné d'une image à l'autre, en une succession de propositions qui se ressemblent et pourtant chacune est aussi singulière que la fraction de temps auquel elle renvoie. » (Marc Trivier).
« La photographie ne dit qu'une chose : « C'était. » On ne fixe que ce qui a été. S'il y a une tragédie, elle est là. » (Marc Trivier)
Warhol, Foucault, Beckett, Dubuffet ... the greatest writers and artists sat for Trivier. At the same time, the artist turned his lens to the margins of society, to what men would rather not see. He photographed the mentally ill and slaughterhouses, setting them in counterpoint to celebrities. From the late 1980s his work was widely acclaimed, earning him the prestigious Young Photographer Award from the International Center of Photography in 1988 and the Prix Photographie Ouverte (Charleroi). After the Palais de Tokyo in Paris, the Musée de l’Elysée in Lausanne and the Casino in Luxembourg, the Maison Européenne de la Photographie in Paris devoted a major retrospective to him in 2011.
Trivier’s portraits of leading cultural figures are not intended to capture their public image. Shot head-on, with their gaze fixed on the lens, they instead reveal an intimate presence:
« (...) au lieu d'être un portraitiste d'écrivains et d'artistes parmi tant d'autres, il se marginalise par son dispositif : sous prétexte de réglages, il fait attendre ses modèles, il les fait poser plusieurs minutes ce qui leur donne un air las. Il attend peut-être un comportement plus naturel. Et on se retrouve face à Francis Bacon en équilibre précaire, Samuel Beckett, Jean Dubuffet ou encore Michel Foucault plus ou moins tassés sur leur chaise. Des images intimes. » (Sylvie Rousselle-Tellier, « Une image de fatigue chez Marc Trivier », Marges 2004).
Photographed in their private spaces, most often their rooms, the sitters abandon themselves, relinquishing control over their image. The imbalance that results exposes the vulnerabilities of these powerful personalities, allowing Trivier to restore unity between the intimate body and the public œuvre.
« Je lisais Genet ; pour moi Genet, c'était des lettres sur un livre. Et puis un jour j'ai vu son portrait, il y a eu comme une fracture. Comment était-il possible que ces signes soient aussi quelqu'un ? Faire un portrait, c'est ressouder le nom et le visage. » (Marc Trivier).
More than a portrait, each photograph is the testimony of an exchange between subject and artist, of a moment of real life. The presence of the photographer is palpable in every portrait Trivier makes:
« Ce qui m'intéressait, ce n'était pas de photographier simplement un corps ou un visage, mais cette situation particulière qui est quelqu'un en train de faire la photo de quelqu'un d'autre. » (Marc Trivier).
